和田​ながら 氏 

全体に対して

京都学生演劇祭に参加されたみなさん、運営に携わったみなさん、たいへんお疲れさまでした。

野外特設舞台で上演を実現させたみなさんのことがうらやましい。もはや、ずるい、とさえ思っている。遠慮会釈なしに線路も道路も唸りたいように唸り、ときに雨風が打ちつけてくる豊穣な街のサウンドトラック。そんな圧倒的な現実に包囲されながら、薄い白いシートの内側でフィクションを構成するというぞくぞくするようなスリル。虚実皮膜という言葉を生真面目にリアライズしたかのようなあの環境は、そしてその中でみなさんが体感したであろうひりひりした感覚は、望んでも得られるとは限らない稀有なものだと思います。

それから、みなさんがまじめに演劇に取り組んでいるということに爽やかな気持ちになりました。でも正直に言えば、少し物足りないような感じもあった。まじめは美徳でもありますが、常識的な範疇におさまっているだけでは、おもしろさに届かない。

たぶん語弊はあるのですが、わたしは演劇を「悪用」しているような作品を見たいのだと思います。なにかを「悪用」するためには、まず、そのなにかを知悉していなければならない。そのなにかの得意なこと、できないこと、抜け道、応用可能性、リスク、そのすべてを、しかし知っているだけでは駄目で、持て余さず使いこなせないといけない。わたしが言おうとしている「悪用」とは、まじめさから逸れていった先にあるとは限らず、むしろまじめを徹底していった先にあらわれるラディカルさ、ということなのかもしれません。もちろんこれはそのまま自分に跳ね返ってくる言葉です。もしわたしが中途半端な作品をつくっているのを見かけたら、まじめにやれ、と言ってください。そして、もし活動で困ったことがあったら、気兼ねなく京都舞台芸術協会に相談してください。

※和田はいずれのブロックも初日を観劇しました。

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Aブロック

ヨルノサンポ団（U30）『とりかご』

白い線をなぞって歩き、踏み外したらマグマに落ちてしまう、という遊びが冒頭に行われていたのが印象に残っています。想像力を資源とするあの「ごっこ遊び」は、演劇そのものの謂であったろうと思います。想像力によってあらゆる空間が体験可能である、という演劇の武器がオープニングに示唆されていたからこそ、子供部屋を具象的に説明する置き道具が家以外の空間を展開していくときに舞台上の枷になっていたように感じてしまい、もったいなく感じました。説明的なオブジェクトはなるべく切り詰めて、空間の広げ方は思い切って演技のみに賭けるという可能性もあったかもしれません。

ココ、クク、トーマといった年若いキャラクターに物語の重心が置かれているように見えましたが、「子供」というのは演劇にとって難易度が高いモチーフだと思います。シンプルでピュアであることを「子供」という属性に安易に託してしまい、ともすれば大人による「子供」の神話化につながってしまうリスクをどのように創造的にクリアするか？ わたしには、今回の作品はそのリスクに呑まれてしまっているように感じました。一方で、作劇としても演技としても、「子供」をはじめとする「幼さ」の表象は、取り組み甲斐のある興味深い課題だという思いも強くなりました。「子供」への理想を抱いている「大人」である母のキャラクター造形には、演劇における「子供」を批評しうるチャンスがあったかもしれません。

ひゅーまんシアター『本当だって』

家族のあいだのちょっとした冗談が記憶の自律性を揺さぶり、記憶を書き換えさえしてしまう。個人的にもちょうど、演劇はホラーをもっと追求できる、と考えていたところだったので、テキストがたたえているホラーみにかなりしびれました。一方で、空間と演技の可能性はまだまだ潜在していると感じました。

空間は、リアルを追求するのか、それともフィクショナルな歪みを仕掛けるのか、今回の上演はどっちつかずだったという印象です。もしリアルを追求するのであれば、たとえば、四人で食卓を囲んでいるのに舞台手前側に誰も座らないのはおかしい。リアルであることによって、舞台手前側に座って観客席から表情が見えないキャラクターがいたらおもしろかったかもしれない。フィクショナルな歪みを仕掛けるのであれば、たとえば映画の『家族ゲーム』みたいに正面を向いて一列に座ってみてもよかったかもしれない。

演技については、台詞をしゃべっている人物以外の居住まいが単調に感じられてしまったのがもったいないと思いました。そもそもわたしたちの日常生活からして、しゃべっているよりも黙っている時間のほうが遥かに長いわけです。ということは、台詞をしゃべっている時間をどのように組み立てるかよりも、黙っている時間をどのように過ごすか、という方が、俳優の演技を考えるときには実は重要なのかもしれません。そして、ホラーはなおさらに、台詞をしゃべっていない人物のあり方こそが、空間の緊張感や違和感を支える重要な要素なのかもしれません。

劇団透明少女『身毒丸』

野外特設舞台というノイズの多い環境で作品を成立させるためには、ただ強ければ成立するわけではないという留保つきではありますが、ある種の「腕力」のようなものが求められていたと思います。たとえば、世界観の徹底、台詞の詩情、俳優の存在感、スタッフワークの説得力といったような。本作の上演からはその「腕力」をびりびりと感じました。いかがわしく、なまめかしく、むわっと立ちのぼる熱気はテント芝居の醍醐味にあふれていました。しかし、場面の切り替わりに多用されていた暗転が上演の「腕力」をたわめてしまっていたように感じられました。暗転を挟まずとも場面を積み重ねていける力がじゅうぶんにある劇団だと思えるだけに、残念でした。

令和という時代に二十代を過ごすであろう人たちが、この演劇のスタイルにどのようなリアリティ／アクチュアリティを感じているのか？ ということを、知りたいと思いました。スタイルへの取り組みがまじめであることは疑いようもないけれども、スタイルの選択に必然性を感じ取ることが、少なくともわたしにはできなかった。もしかしたら、やっているみなさんもまだはっきりと掴みかねているのかもしれない（自分のやっていることをやっている当人が十分に理解するのには思いのほか時間がかかってしまうものです）。これからみなさんがこのスタイルになにを見出して、現在と接続し、そして世界に対して上演を仕掛けていくのか。あるいはこのスタイルから颯爽と去っていくのか。動向を追いかけたいと思います。

Bブロック

劇団フォークロア『サリとルーの千と一の幻夜たち』

演技やスタッフワークが結託して盛り上がりをつくっていく「腕力」がしっかりあるチームだと感じました。上演中、雨が降ってきていましたが、その環境に押し負けず、むしろ盛り上がりに使ってやろうという貪欲な野心が見えて、好感を持ちました。

観客に直接語りかけてくるナレーターがいて、サリとルーという共通した呼び名をもつ二人組の関係が劇中劇的に3つ展開される、という劇構造。サリとルーの無数のヴァリエーションが示唆され、観客もまた物語の一員でありうるという呼びかけは、マルチバースのような世界観で印象的でした。

テキストはまだチャレンジの余地がありそうです。ナレーターのせりふは、言葉で設定や人物の心情を説明している割合が多いな、と感じました。劇中劇のシチュエーションがあまり展開しないというのも、説明的になってしまう要因のひとつだったかもしれません。

また、物語の中では重要な要素であるはずの「もの」たち（置き道具、小道具）が、舞台上であまり機能していないのがもったいない、と思いました。わたしは、この作品に限らず、多くの演劇において、ものが単なる記号に縮減され、道具として従属させられ、雑に扱われているように感じていて、それが個人的にものすごく不満なのです。実のところほとんどの俳優はものにきちんと触れるということさえできていないんじゃないか、とさえ思います。でも、このチームがそなえている美意識があれば、ものへのアプローチも、もっともっと研ぎ澄ませることができるはずだと思いました。

青コン企画(仮)『贋作E.T. の墓』

SFと演劇の相性は世に思われているよりもすこぶる良いから、演劇はもっとSFをやるべきである。というのがちょうどこの夏のマイブームだったこともあって、タイトルにあの名作SF映画を引用している本作への好感度は観劇前から高かったのですが、作品はその期待をはるかに越えていきました。しかも、直前に出演者がひとり欠けるというタフな状況にもかかわらず、いやむしろそんな状況だったからこそ、タイトロープをゆくような感覚に観客を巻き込んでいった、とても充実したパフォーマンスでした。

言語感覚やメタファーの豊かさと、それらを空間へ書き出していく知性もさることながら、クライマックスの鍵がフィジカルな動きだったというのが、わたしにとって非常に重要な評価のポイントでした。本作のように、観客の前にさらされてしまう身体のどうしようもなさを引き受けながら、観客の想像力と共犯になって、身体がそこにあるということでしかできないことをやる、というのが、舞台芸術の勝負のしどころに違いありません。

パスティーシュであり、メディア論的であり、メタ的に戯れつつもフィジカルを泥臭く投入するというのはまさしくまじめな「悪用」だなあと思えて、勝手に嬉しくなっていました。全国学生演劇祭で、全員揃ってのフルスペックの上演がどうか叶いますように。

後付け（U30）『丸ゴシック定礎』

今回唯一、過去に拝見したことのある団体で、作風もその力も存じ上げていましたが、その期待を裏切らない上演を見ることができてとても満足しました。テキストの出処である日常に差し向けられたするどい観察眼には愛と悪意が満ちている。舞台上はあらゆる要素が最小限に切り詰められていて、照明・音響も手数の潔い少なさが最大の効果を発揮していて鮮やか。俳優個々のグルーヴがテキストと演出の両面から引き出されていて、演技と空間のリズムがクセになる。チーム全員が、この団体特有の「ノリ」を軽やかに信じている。

クオリティにおける安定感の高さがすばらしいと感じるからこそ、今後の活動がどうなっていくのか、勝手にハラハラしています。淡々と活動を継続しながら職人的に技術が高まっていく、というのが順当な予想かつ一ファンとしての望みでもあるのですが、そんな安易な想像はぜひとも裏切ってほしい、という裏腹な気持ちもあるのです。たとえば、たとえばですよ、後付けが『ロミオとジュリエット』とかやってみたらどうなるんだろうとか考えてはまあ本当に余計なお世話だなとひとりで反省しています。

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Cブロック

演劇ユニット日光浴『こたへさがし』

ひとりの人物の動向をめぐる複数の人物の強い感情、というものが中心的なモチーフとして扱われていたかと思います。この強い感情というものはけっこうなくせもので、日常的な会話をモデルとしたテキストかつ日常の延長であるような演技スタイルの中で扱うのはとりわけ難度が高かったように思いました。「日常」を装おうとすることは、強いものや激しいものが、むしろその強さや激しさのゆえに「日常」にまるめこまれてしまうというリスクを抱えてしまいます。青鬼／赤鬼のストーリーは寓話性が高く、「日常」の圧力に絡め取られずに、シーンに託されたイマジネーションを機能させることができていたように感じましたが、パラレルに進行していた日常的な物語とのリンクがいま少し弱かったのではないかとも思いました。

どうやって「日常」の圧力を回避するか、あるいは制するか。さまざまな選択肢がありえますが、わたしは、思い切った引き算が有効かもしれない、と思いました。たとえば、紅葉役あるいは広殻役（もしくはその両方）が舞台上に不在であるとか。紅葉と広殻が俳優の身体を伴って観客の前にあらわれると、晴翔と綾香から紅葉に寄せられる強い思慕も、広殻に向けられる敵対心も、日常をモデルとしたリアリティのなかでは過剰に感じられてしまう、という据わりの悪さがありました。でも、もし紅葉と広殻が姿を直接あらわさないままこの物語が語られていたら、春翔と綾香のエゴイスティックだけれども人間的な感情というものにもっと集中できたかもしれない。演劇は「不在」を扱うのがけっこう得意なので。

らせんの目『密度の実験』

ビードロ・ポンピイさんの歌の華やかさと、観客席に向けられた堀さんの強い眼差しが印象的で、心をグッとつかまれる魅力的なパフォーマンスでした。上演のどの時間帯においても、おふたりがイーブンに作品を引き受けて舞台上に存在していて、現在という時制やあの場所との対峙にゆるみがありませんでした。あまりうまく説明できなくて情けないのですが、テキストがはらんでいた迫力とでも呼ぶべきものを、びりびりと感じていました。説明的な要素が排除されていたために、観客がリラックスしておふたりの表現を受け取ることができたのだろうと思います。月のようにも見えたふたつの球形のオブジェも美しかったです。

とはいえ、あられもない欲を言えば、オブジェにもうひと活躍ぐらいしてみてほしかった。また、シンプルであることの強さが重要だったことを承知の上で、構造や見立てといった演劇的な知恵があともうひとさじでも組み込まれていてほしかった。「演劇」を軽やかに乱用してパフォーマンスをブーストするということがおそらくこのチームにはできたのではないだろうかと思うから。（よいものを見たときほど、まあ浅ましい欲が出てしまうものですね。）

異なる分野のアーティスト同士のコラボレーションは、それぞれの分野の文法や優先順位の相違のために難しさを感じることもあると思いますが、とにかく、ハマったときの快感がすごい。一度知ったら後戻りできなくなりますよね。次の作品も拝見できるのを楽しみにしています。

劇団FAX（U30）『てんとう』

かなりスポーティなスタイルの作品だと感じました。運動量と速度がかけあわされて、反復とアンサンブルがブーストされていく。ただ、この運動量と速度がいったいなにを目指しているのかがわたしにはあまりつかまえられず、繰り返されるフォーメーションをただ遠くから眺めているしかできない、という感覚がありました。速度というものは上がれば上がるほど興奮が促される麻薬のようなところがあると思います。その加速によってハイになっていくような感覚に対して、なんらかの批評性がほしかったのかもしれません。それはたとえば、もはや観客がせりふを聞き取れもしなければ俳優のアンサンブルも成立しえないような、パフォーマンスの破綻までアクセルを踏み込む、ということだったかもしれませんし、えげつないぐらいの「遅さ」が突如として差し挟まれるということだったかもしれません。速度を際限なく競っていくような現代のメディア環境においては、人間の生身の肉体という限界を宿命づけられている演劇を選ぶことそのものがすでにある種の批評性を帯びているとも思いはするのですが。余談ですが、わたしが以前一緒に作品づくりをしたやんツーさんというアーティストは、あるとき加速の中毒性にぞっとしないものを覚えた結果、速度を追求するべく生まれたミニ四駆を限界まで遅くするという作品（『近代的価値から逃走する』）をつくっていました。メディアアートの領域でテクノロジーとずぶずぶの共犯関係にあった彼が「遅さ」に転向したことにわたしは共感しましたし、なにより彼の遅いミニ四駆はすばらしく愛らしいものでした。